荷兰画家梵高，后期印象画派代表人物，是19世纪人类最杰出的艺术家之一。他热爱生活，但在生活中屡遭挫折，艰辛倍尝。他献身艺术，大胆创新，在广泛学习前辈画家伦勃朗等人的基础上，吸收印象派画家在色彩方面的经验，并受到东方艺术，特别是日本版画的影响，形成了自己独特的艺术风格，创作出许多洋溢着生活激情、富于人道主义精神的作品，表现了他心中的苦闷、哀伤、同情和希望，至今饮誉世界。
梵高生性善良，同情穷人，早年为了“抚慰世上一切不幸的人”，他曾自费到一个矿区里去当过教士，跟矿工一样吃最差的伙食，一起睡在地板上。矿坑爆炸时，他曾冒死救出一个重伤的矿工。他的这种过分认真的牺牲精神引起了教会的不安，终于把他撤了职。这样，他才又回到绘画事业上来，受到他的表兄以及当时荷兰一些画家短时间的指导，并与巴黎新起的画家（包括印象派画家）建立了友谊。
梵高全部杰出的、富有独创性的作品，都是在他生命最后的六年中完成的。他最初的作品，情调常是低沉的，可是后来，他大量的作品即一变低沉而为响亮和明朗，好象要用欢快的歌声来慰藉人世的苦难，以表达他强烈的理想和希望。一位英国评论家说：“他用全部精力追求了一件世界上最简单、最普通的东西，这就是太阳。”他的画面上不单充满了阳光下的鲜艳色彩，而且不止一次地下面去描绘令人逼视的太阳本身，并且多次描绘向日葵。为了纪念他去世的表兄莫夫，他画了一幅阳光下《盛开的桃花》，并题写诗句说：“只要活人还活着，死去的人总还是活着。”在历史的角度来讲，梵高的确是非常超前的画家。
他作品中所包含着深刻的悲剧意识，其强烈的个性和在形式上的独特追求，远远走在时代的前面，的确难以被当时的人们所接受。他以环境来抓住对象，他重新改变现实，以达到实实在在的真实，促成了表现主义的诞生。在人们对他的误解最深的时候，正是他对自己的创作最有信心的时候。因此才留下了永远的艺术著作。他直接影响了法国的野兽主义，德国的表现主义，以至于20世纪初出现的抒情抽象肖像。
梵高的艺术是伟大的然而在他生前并未得到社会的承认。他作品中所包含着深刻的悲剧意识其强烈的个性和在形式上的独特追求远远走在代的前面的确难以被当时的人们所接受。他以环境来抓住对象他重新改变现实，以达到实实在在的真实，促成了表现主义的诞生，在人们对他的误解最深的时候，正是他对自己的创作最有信心的时候。因此才留下了永远的艺术著作。 他直接影响了法国的野兽主义德国的表现主义以至于20世纪初出现的抒情抽象肖像。《向日葵》就是在阳光明媚灿烂的法国南部所作的。 画家像闪烁着熊熊的火焰满怀炽热的激情令运动感的仿佛旋转不停的笔触是那样粗厚有力色彩的对比也是单纯强烈的。然而在这种粗厚和单纯中却又充满了智慧和灵气。 观者在观看此画时无不为那激动人心的画面效果而感应心灵为之震颤激情也喷薄而出无不跃跃欲试共同融入到凡高丰富的主观感情中去。
梵高的另一幅代表作品《星夜》，画于1890年6月，现藏于纽约现代美术馆。《星夜》呈现两种线条风格，一是弯曲的长线，一是破碎的短线。二者交互运用，使画面呈现出眩目的奇幻景象。这显然已经脱离现实，纯为梵高自己的想象。在构图上，骚动的天空与平静的村落形成对比。柏树则与横向的山脉、天空达成视觉上的平衡。暗黑的龙柏树巫一样飘舞着，涡旋般的星云、旋转的大小星体、甚至是新月都在快速旋转中。那种狞厉的流纹仿佛是宿命的流向，一切都是动荡不安的，摇摇欲坠的。而教堂的尖顶显得那么渺茫无助，它的尖顶几乎被夜空的涡漩所淹没。梵高的世界其实就是如此脆弱无助，而他陷入了一个无法摆脱的涡漩中。全画的色调呈蓝绿色，画家用充满运动感的、连续不断的、波浪般急速流动的笔触表现星云和树木；在他的笔下，星云和树木象一团正在炽热燃烧的火球，正在奋发向上，具有极强的表现力，给人留下深刻的印象。
梵高的最后一幅油画是《麦田群鸦》，这是他生命中最后一幅逼真而可怕的写照，也是他留给世人一份刺目的图像的遗书。那是一个令人不安的画面：一块被三条岔道切割成两等分的麦田，最左边的道路几乎呈现出一种边界的状态，中间一条道路以令人无限遐想的S形向远方延伸，道路的尽头全是一片迷茫与阴森，道路旁边是充满敬意的绿草，另一条道路向右边遽然偏离并消
失。它仿佛一个举着双臂的人，平躺着，双肩上举着丰收的麦田。那种令人激动并慰藉的金黄色，仿佛太阳照耀的圣域，它点燃了一个人的内心的喜悦。而却在此时，天空令人不安地被乌云遮住了，准确地说，那是一群会飞动的阴影，它是一群乌鸦，纯黑色的乌鸦以及远处天空中出现的阴霾仿佛是女巫的黑色大氅一样遮住越来越少的阳光和麦田的光芒。它是一种矛盾的心情，是一种内心深处隐约的恐惧。这就是濒临死亡之前的梵高的世界，他眼里的世界分为两种颜色，一种是令人激动的金黄色，它是属于他那执著的精神的阳光色彩，另一种是令他恐惧的阴影和失望，他对那个世界失去了最后的信心，他的心情因此被切割瓦解，一块麦田因此陷落，一片阳光因此而支离破碎。
梵高以自己的生命为赌注作画，像荆棘鸟般用灵魂与鲜血谱写生命的最后华章。在这幅绝笔画中表达出梵高的“悲伤与极度的寂寞”， 他的结局似乎早就注定了。于是在奥维尔，七月灿烂的夏天，他朝自己的胸膛扣动了扳机，倒下的一刹那他的灵魂归于永恒的金黄色大地，这位癫狂的天才画家终于得到了解脱。梵高一生坎坷，尤其是在生命的。
最后几年，他的精神世界已经完全破碎。一如大海，风暴时起，颠簸倾覆，没有多少平稳的陆地了。然而与之相对的，却是他对艺术的爱。在面对不可遏止的疾病的焦灼中，他说：“绘画到底有没有美，有没有用处，这实在令人怀疑。但是怎么办呢？有些人即使精神失常了，却仍然热爱着自然与生活，因为他是画家！”“面对一种把我毁掉的、使我害怕的病。我的信仰仍然不会动摇！”然而就是这样一个对绘画有着偏执信仰的“疯子”，用其短暂的一生向我们描绘了他对生命的热爱与追求，诉说着他的激情与理想，给我们的生活增添了永恒的色彩。
摘 要：中西绘画交流早在明万历年间就有，而清初的郎世宁则是公认的传入西画技法的第一人。郎世宁带来的西方绘画美学思想独特的魅力在于融合了传统宫廷画思想，成就了郎世宁特殊的作品风貌。
关键词：郎世宁；传统中国画；中西文化
Giuseppe Castiglione，汉名郎世宁，意大利米兰人，生于1688年7月19日，是18世纪以西法作中国画最有成就的画家。由于对东方文化极度热忱，促使他在康熙五十四年（1715）来中国传教。最初以传播教义为目的他为了获取传播_的便利和权益入职内廷，为帝王作画，并逐渐受到赏识和器重，至乾隆三十一年六月十日在北京病逝，他在中国的艺术生涯长达五十年。他的作品为了迎合当时封建君主的喜好，不断在中西文化的撞击中成熟，对当时的宫廷绘画产生了一定影响。因其画风受中西方绘画的共同影响，所以采用中西掺和的画法，纵观郎世宁的作品绘画风格特点可从以下几类作品中比较与传统宫廷画的差异。
一、人物肖像画
郎世宁在人物肖像画方面，以当时先进于中国的解剖学作为造型依据，加之擅长运用逼真画法描绘人物，体现出较强的写实能力，因而受到好奇西方学术、艺术和科技的清朝皇帝的器重。郎世宁的肖像作品追求立体感、准确性、比例合理、晕染精细、凹凸分明。这一类作品的特点可以从他几幅比较重要的作品当中如体现出来，其中比较典型的是《乾隆朝服像》《乾隆大阅图》《孝贤纯皇后像》《平安春信图》等。他的肖像作品最具特点之处在于对光源的处理方面，他采用正面光源，抛弃西画过强的光影对比，迎合传统中国画，这样的革新使人物面部整体感觉更柔和更清晰，这是郎世宁欧洲画法融合中国传统技法的再创造。
二、纪实画
郎世宁的纪实画作品主要有《马术图》《万树园赐宴图》《平定西域战图》《平定西域回部战图》《丛薄行诗意图》《哈萨克贡马图》等。
这些大型纪实画不仅抛弃了纪实画常用的长卷形式，也抛弃了传统中国画因封建等级制度而过度夸大帝王地位的画法，改为适当的人物比例，但在构图中将主要人物置于显著位置或者加强对主要人物的刻画来强调君主或主要人物的身份特殊性。其特点表现在主要人物具有肖像特征，对人物服装以及背景描绘具体而细致，层层渲染。郎世宁的纪实画不仅在绘画风格技法上有所改变，最重要的是在构图上都有别于传统中国画。
郎世宁纪实画的构图中将人马、聚散、景物处理的富有节奏感，体现了画面的虚实、物象的繁复，但又融洽和谐的关系，具有明显的欧洲画风。同时，他在绘画中也尝试从创作中争得自由，尽量避免把近景远景结合在同一个画面中，纪实画多采用宏观远视的方法，不仅使整个画面感觉有纵深感，还使人物和周围的环境符合实际比例，同时兼顾了中国人的视觉习惯又不违背西方人的作画习惯。
三、花鸟走兽画
在花鸟走兽类绘画作品中，《嵩献英芝图》《聚瑞图》《孔雀开屏图》《九犬图》《百骏图》《五马图》《柳荫双骏图》《万卉同春图》《仙萼长春册》等是其主要代表作。在绘制这一类作品时，郎世宁发挥了他高超的写生技法，用笔精到，宛然若生，利用西方透视和明暗作水墨画。不管是马匹、树木、水流、土坡，还是花枝、鸟雀等，都非常注重质感的细腻表现。
他在运用西方写生技法画蕴含传统中国元素的作品过程中适当添加了光影处理和明暗交界线的运用，使得花鸟走兽有了栩栩如生、呼之欲出的感觉。
在郎世宁的这类作品中，他更多的是来塑造形体，减弱了笔墨线条独立的审美意义，然而笔墨线条是中国绘画和书法造型的基础，对于受西方绘画影响较深的郎世宁自然难以体会笔墨线条的微妙乐趣，更多的是在意形体结构的把握，所以笔法全无。虽然如此，但是也给予了这个外国人改变中国传统中国画更大的发展空间。这种作画方式使他的画体积感和真实感以及空间感更强。这种有别于传统的绘画技法，是对传统中国画的一种补充，也是一种冲击，在画坛中开拓了崭新的艺术天地。
四、郎世宁绘画风格对传统中国画的影响
郎世宁在进入中国前学到的西方绘画特点是写实、写生、忠于自然、忠于光源、忠于黄金分割、忠于人体解剖，力求再现生活；同时，他也被中国画所体现的意境所吸引。因此，他尝试着适应中国的欣赏习惯和宫廷的需要用西法画中国画，郎世宁学习中国画技巧并不断用中西不同的观察方法和表现方法改造传统中国画。
总之，他致力于中西画法的变通与折衷，对传统中国画来说不失为一种很好的突破和尝试。虽然我们可以站在中国传统绘画或西方传统绘画各自的角度来评价郎世宁的绘画，但是我们也应该认识到他的作品所呈现出的这种特殊面貌中中西碰撞的艺术价值。
他的中国画中和了中西方的差异，也在一定程度上改变了中国人的审美趣味，因此要将他的作品放在特殊的历史文化背景下研究，郎世宁的画代表着一种新的审美趣味和一个新的画派，对后人在中国画探索新的技法或表达形式上有所启迪并产生深远而积极的影响。另外，郎世宁曾与中国士大夫年希尧探讨西法透视，并用年之笔撰写了《视学》，这也是一部详细介绍郎世宁西法绘画技巧的理论著作，也是最早介绍西方透视法的著作。而且，郎世宁的油画功底深厚，还给中国宫廷培养了一批学习油画的宫廷画家，对中国传统绘画与西方技法的融合发挥了重要作用。
美术鉴赏是人们运用自己的视觉感知与已有的生活经验、审美知识等对美术作品进行感受、体验、联想、分析、判断的欣赏与鉴别的过程，是鉴赏者获得审美享受、提高审美能力、陶冶情操、理解美术作品与美术现象的特殊的精神活动，也是鉴赏者对美术作品再创作的过程。
美术鉴赏既涉及美术作品本身的艺术魅力和审美价值，又涉及鉴赏者的知识、能力、修养和复杂的心理过程。可以说，美术鉴赏受到主客体两方面条件的制约。这两个条件即美术鉴赏的客体条件（美术作品）与主体条件（鉴赏者）。美术鉴赏的客体条件是指被鉴赏的美术作品，如果客体不具备一定的审美价值与艺术价值，便失去了鉴赏的意义与价值。
1863年在人民群众反对沙皇专制制度、争取自由的影响下，俄国彼得堡美术学院１４名学生拒绝按照学院硬性规定的题目进行毕业考试，他们走向社会，组成了巡回展览学会。他们创作了许多揭露农奴制度、反映俄罗斯人民苦难生活的美术作品。这些作品内容新颖，形式活泼，富于战斗性，在俄国各地巡回展览，影响很大，被称为“巡回画派”。其中列宾和苏里柯夫是杰出代表。
列宾（1844－1930）著名的油画《伏尔加河上的纤夫》，画的是在炎热的夏天，一群衣着破烂不堪的纤夫迈着沉重而疲惫的步伐拖着货船，艰难地走在伏尔加河畔的沙滩上。沙滩上的几只破箩筐，增添了画面的凄惨景色。画_有１１名纤夫，经过画家精心刻画，反映出他们各自不同的年龄、经历、性格和气质。领头的纤夫叫卡宁，穿着满是补丁的衣服，两手下垂，身上的纤绳绷得很紧，忍受着体力上和精神上的痛苦。中间突出的人物是那位身着浅色衣服的少年，他紧蹙着眉头，吃力地用手调整压在肩上的纤绳，从他那昂起头的姿势看得出，在他身上蕴藏着一种潜在的反抗力量。最后两位人物动态对比鲜明。一位低垂着头茫然地向前移动着身躯，一副听天由命的样子；一位回头怒视着后面船上的船主，脸上是愤愤不平的表情。
列宾是十九世纪俄罗斯最杰出的画家。他擅长社会风俗画和肖像画，他的许多优秀作品直接而又广泛地反映了他所处的那个时代。列宾从小就喜欢绘画，后来经过努力考上了美术学院。《伏尔加河上的纤夫》是列宾的第一幅成名之作，这幅画共画了三年多时间。为了创作这幅画，列宾亲自到伏尔加河边居住，和纤夫们交朋友。他寻找了各种不同类型的纤夫形象，认真观察，并画了许多人物写生画，表现不同年龄、个性、姿态的纤夫。正是通过大量的人物写生，列宾抓住了伏尔加河纤夫的典型特征，把他们表现的十分真实、深刻又各具特色。这幅画以狭长的横幅展现了一群纤夫的形象：远处伏尔加河畔的阳光酷烈，沙滩荒芜。近景只有埋在沙里的几只破篮筐作点缀，景色十分悲凉。一队穿戴破烂不堪的纤夫正拉着重载货船，缓慢地沿着河岸沙滩向前走着。画面上的纤夫，有强壮的，有体弱的，有年老的，有年青的。他们的步子是那样的沉重，令人似乎可以听到“伏尔加船夫曲”那压抑低沉而又雄壮的回声。纤夫共有11人、约略分成三组。这里每一个形象都经过列宾仔细推敲，并画过人物写生。他们的年龄、经历、性格、体力以及他们的精神气质各有差别。为了更好地展示纤夫们的性格特征和内心世界，列宾采用了画幅较宽的横构图，把众多的人物安置在与伏尔加河几乎平行的位置上。人物的高低错落，使画面形成一种有力的节奏。辽阔壮丽的伏尔加河与衣衫褴缕但又显示出雄厚力量的纤夫们形成了鲜明的对比。
摘要：美是生活不可缺少的一部分，学会欣赏美术便走出了欣赏美的关键一部分。因此学习美术鉴赏是一门很重要的课程！在这门课程的学习中我们能够学到很多东西。所以，我很高兴这个学期学习了美术鉴赏这门令人陶醉的课程，在老师的带领下，我们在美的世界里留连忘返，学习了许多关于美术的基础知识和发展历史，了解了许多享誉世界的伟大画家，欣赏了许多耳熟能详的经典美术作品，仿佛在紧张的学习之余让自己的心灵找到了一个畅快休憩的迷人小岛。
【关键字】生活、美术、鉴赏
美术，作为一种美的表达形式，在人们的日常生活中扮演着越来越重要的角色，成为生活的调和剂。
在日常生活中我们可以深刻的感受到美的意义所在。在这个课程的学习过程中我们在一定程度上了解了中国的传统绘画，体味到了中国传统绘画的魅力。我们都从中感受到了华夏传统的美妙，体味到古典的魅力所在。同时我们也了解到中国不同的美术种类，在这门课的学习中感受最多的就是对我国传统文化的了解，增强了民族的自豪感与自信心，有提升了对祖国的爱。中国是有着悠久历史的国度，其美术的发展历史更是一部丰满的史诗。
生活就像火焰，跳动在红色的起点；生活就像水流，流淌在清新
的田野；生活就薄雾，飘散在命运的蓝天；生活就像树叶，成长在希望的眼前；生活就像大海，不屈在坚实的地平线。生活是美好的，它需要发现美的眼睛。生活中有许许多多的美，它体现在不同的地方。有着不同的特色。细细体会，你会觉得生活很美。
倘若说欣赏自然之美需要睿智和一双善于发现真谛的眼睛，那么欣赏人间真情，则需要有细腻的情感。在高速发达的现代社会，大多因生计而疲于奔波，身边的零散琐碎的事情往往被忽略了，渐渐地把日子过得淡然无味，一头雾水，不知道生活到底为了什么？“母亲啊，你是荷叶，我是红莲，心中的雨点来了，除了你，谁是我在无遮拦的天空下荫蔽？”，作家冰心的细腻由此可见一斑，这应该是她最真挚情感的表白。细腻的情感燃烧时，身边的细微的美肯定会熠熠生彩、璀璨夺目的。此时的生活还会索然无味么。
一次素不相识偶遇的帮助，这也是生活中的美。一次帮助，一声亲切的问候，身边碎事情看起来似乎而繁杂，不经意中大多放弃了，长时间的漠然必然麻木不仁，也就无从谈起美的存在。美是一种毫无标的的愉悦。如果你会欣赏，你会觉得生活之美。
生活是美丽的，不是苦恼太多，而是我们胸襟不够开阔；不是幸福太少，而是我们不懂生活？？
正所谓生活中不是缺少美，而是缺少发现美的眼睛！的确，生活是五彩斑斓的，生活需要发现，需要我们怀着快乐的心情，乐观的心态去感悟，有了发现与感悟，生活的万花筒才会色彩缤纷，人生的旅途才会熠熠生辉！
当你怀着“曲径通幽处，禅房花木深” “山重水复疑无路，柳暗花明又一村”的心情去感受生活时，你不难发现：曲折中有佳境，艰难中有趣味。当你用心去接触生活时，你不难发现：沉默的会变得亲切，平淡的会变得精彩，丑陋的也会变得美丽！
岁月无声在我们身边穿梭，你会发现一切美好的事物在脑海中定格。秋日的斜晖投下了俏丽的影子，树叶像一只只彩蝶，在空中翩翩起舞，在自己生命的最后一刻尽情演绎自己的美丽，落叶归根！夏夜的繁星调皮地跟我们眨眼睛，有了星星陪伴，任何烦恼孤寂便销声匿迹。春日里“随风潜入夜，润物细无声”的细雨，吹面不寒杨柳风，万紫千红的百花，冬日里银妆素裹的世界。
时间不断流逝，不会因某个瞬间停驻，就像两条平行线把距离拉得再近也没有交点。我们要做的是把纷至沓来的忧虑、烦躁、苦闷、悲伤？？变化成绚丽夺目的五颜六色，给心情涂上颜色，为生活着上颜色。给心情涂上颜色，我们能够在明丽的日子想到日后还将出现狂风暴雨；给心情涂上颜色，我们能够在失落的时候想到前方还有繁花似锦；给心情涂上颜色，我们能够在心灰气馁的时候想到生活中还有自信坚强；给心情涂上颜色，我们能够在失败挫折的时候想到成功的路上还有胜利的曙光。
课程中我们欣赏了不计其数的美术作品，除了中国的传统绘画，也包括许多西方的美术名著名作，比如达.芬奇的《蒙娜丽莎》、《最后的晚餐》、《西斯廷圣母》等气势恢弘的作品，还有《拾穗者》、《伏尔加河上的纤夫》、《播种》等现实主义的绘画作品。同时，我们还了
解到中外美术能够完美的结合。美术就是拥有这样神秘的力量。经过课程中与美术的相处，我被深深的吸引了，开始更加热爱美术。
通过美术鉴赏课的学习，我也深深体会到美术也是从生活中而来的。一切皆源自于生活。生活也是美术的重要出处。品味美术就如同品味生活，让人感受其中的种种喜怒哀乐。对待美术的态度其实也是对待生活的态度。乐观，悲观，皆如美术一样。美术是生活的调剂品，它能使你的生活更加多彩。我们能够通过欣赏一幅画，一处建筑，来亲近艺术，从而喜欢艺术，热爱艺术。在美术欣赏的过程中美术所展现的内在美会极大地感染我们，我们的性情和爱好会在艺术欣赏中得到净化。随着艺术视野的开阔，我们的精神面貌会得到升华，高尚的人格素质和审美情趣也会在愉悦中形成。可以说，美术鉴赏是人的心灵体操，是灵魂的净化剂，它能穿透人感情麻木的恺甲，使人们在内心世界留下深刻的印象。美术鉴赏课对人的综合素质的提高，对人的身心发展起着非常重要的促进和补足作用。对人的性情有极大的陶冶作用，会使人成为一个感情丰富的人，一个有格调和品位的人，一个富有同情心的人，一个拒绝暴力的人。
美是人们生活中不可分割的一部分。生活中充斥着各种各样的美，如同生命里的行进步伐一般。伴随着生活中的美，寻找那片属于自己的天地。美术能陶冶人的性情，当你真正沉浸在美术中的时候，你会忘掉世俗中一切繁杂的事，尽情的畅游在美的世界中！所以我一直很喜欢美术，美术带给人的那种闲适心情难以言表，也是最能给人以灵魂的洗涤的重要部分。当你托着一个疲惫不堪的身子骨回家时，轻轻打开车
【摘要】本文着重从情境式教学的利与弊两方面进行论述，重点讲述情境创设的作用，努力创设良好的教学情境，使学生在良好的学习氛围中接受知识，加速各种能力的提高，情感的升华，较好地解决学生对美术知识的欣赏，从而提高学生的审美能力与创造美的能力。
【关键词】兴趣；情境式教学；重要作用
将15克的盐放在你的面前，无论如何你难以咽下，但当15克盐放入一碗美味可口的汤中，你早就在享用佳肴时，将15克盐全部吸收了。情境之于知识，犹如汤之于盐。盐需溶入汤中，才能被吸收；知识需要溶入情境之中，才能显示出活力和美感。
上面一段话很形象精辟地比喻了情境式教学法在美术鉴赏课中的重要作用。看到这段话，我如一个苦苦念经的和尚顿悟一般，参透了知识需要溶入情境之中，才能显示出活力和美感，课堂才能真正被学生喜欢，被学生吸引。知识就是力量，知识是能力的基础，知识改变命运，知识具有无穷的魅力，为什么不少学生还厌学？原因之一就是教师没有让学生体验到知识之美。为此我们要担负起“美容师”的角色，要让我们所“经手”的知识富有美感，要让我们所“经手”的知识“流光溢彩，青春靓丽”。
情境式教学法在美术鉴赏课中的重要作用是显而易见的。
知识本身是具有丰富生动的实际内容，而表征它的语言文字（符号图象）则是抽象和简约的。而我们的教材正是由语言文字和图画汇集成的，我们在学习知识，欣赏作品时，都要透过语言文字、图象把他们所表达的实际事物想清楚，把课堂搞“活”起来，从而把两者真正统一起来，从教育心理学角度讲，这样的学习则是有意义的学习。
教师必须用情感激发学生的学习心向，这是有意义学习的情感前提。正如有的学者所指出的，从血管里流出来的是血，从山泉里流出来的水，从一位充满爱心的教师的教学里，涌腾出来的是一股股极大的感染力，它可以使学生产生同样的或与之相联系的情境。一次讲到罗中立的《父亲》，学生首先被其领袖式构图感染，我趁机讲中国“遗失”的几个词“小姐”、“同志”、“农民”，曾几何时“农民”与“土佬帽”“不讲究卫生”划上了等号，我教育学生农民是我们的衣食父母，没有农民，我们吃什么、穿什么，没有农民工就没有现在的现代化城市，所以我们要尊重农民，热爱农民。从而加深了我们对这幅作品的理解。这只是情境的一个维度“情”。（美术教学论文 ）它是学生进行有意义学习的认识背景，情境的另一个维度是“境”。
在欣赏中国古代绘画之山水单元专题时，我播放《高山流水》、《平沙落雁》等民族名曲，渲染作品的意境，引发一种思古的心境，让学生达到未见其境如临其境的感受。在音乐中想象自己如古人般畅游在幽静的山水之中，感受大自然山水的美景及意境，这样学生就能在我为大家创设的“境”中进入山水画的鉴赏之中。
在欣赏韩熙载《夜宴图》时，我根据五段式的画面内容，用音乐分别播放琵琶演奏、舞曲、轻音乐、笛箫合奏，引导学生随音乐感受作品的具体情节；再如用古希腊的神话传说，穿插影视讲述，引发同学对古希腊文化的向往与兴趣，我还邀请同学全班示范罗丹的《思想者》、米隆的《掷铁饼者》等可行的形体展示，使学生乐意积极主动的参与整个教学，在互动中体会到欣赏的乐趣，增强作品的感悟能力。
以上这种充满情境式的教学，把本来死板的不会动弹的文字，变成了有生命的东西，钻进了孩子们的脑海中。相反，“如果照着教学法的指示办事，做的冷冰冰的，干巴巴的，缺乏激昂的热情，那未必会有什么效果的。”（赞科夫语）这是因为“未经人的积极情感强化和加温的知识，将使人变得冷漠”。在课堂中如果教师上课冷漠，那么学生听课也必然冷漠。教师无激情讲课，学生必然无激情听课；教师无真情讲课，学生必然无真情听课。
没有激情，课堂教学就像一潭死水；没有真情，师生即使面对面，也犹如背对背。只有激情和真情才会师生之间产生一种相互感染的效应，从而不断激发学生的热情唤起学生的求知欲，激发学生进入教材的欲望，感受“身临其境”意境。情感激发的目的在于为课堂教学提供一个良好的情绪背景，学生兴致勃勃，兴趣浓厚，甚至兴高采烈，这是教学的最佳精神状态。正如英国教育学家洛克说的“孩子学习任何事情的最合理的时机是当他们兴致高、心里想做的时候。”
创设情境既要为学生的学习提供认知停靠点，也要激发学生的学习方向。这是情境教学的两大功能，也是促进学生有意义学习的两个先决条件。
当然，我们都注重“情境”吸引学生，激发学生的求知欲，课堂因此有了生气、有了效率，但是，有的教师只把它当作点缀，还有一些教师却因此迷失了教学的方向 。不少教师对情境在教学中的应用存在偏差，创设的 “情境”要么目的不够明确，师生的调侃游离于教学目标之外，要么缺乏价值取向过于花哨。如果设置不好，反而弄巧成拙，一味地挖空心思地在教学备课中为创设情境，寻找素材花费大量的时间和精力，却忽视了‘备美术’、‘备学生’，忽视了现实情境背后所隐含的美术线索，抓不住一节课的教学重点不懂得如何克服难点，对学生的认知起点定位不准，即所创设的情境再吸引人，也很难说是一堂成功的美术鉴赏课。因此，在注重情境的同时，还必须更深入地研究美术教材及学生。还有一种现象，有些创设情境无关因素大大干扰了课堂的进程，导致课堂效率低下。
如在鉴赏《中国古代陵墓雕塑》时，教师从奴隶社会的陪葬讲到世界各地的葬礼竟然用了一节课的三分之一时间，这样就本末倒置，抓不住重点了。
另外“情境”的创设并不时时处处需要，而应根据具体情况进行具体分析。情境作为美术知识的载体，是为美术教学服务的。我们应根据美术知识的线索，努力创设“良好的”“合适的”情境。
总之，情境式教学在美术鉴赏课堂中是课堂教学的基本要素，有利也有弊，对其弊端要克服，更要发挥其有利的方面，努力创设有价值的教学情境，更好地为课堂教学服务，让课堂成为学生学习的乐土。
一、互联网应用于美术鉴赏教学的条件已渐趋成熟
1.个人电脑的普及
计算机网络只是获取资源的一种渠道，要真正使用它，还要有一定的技术设备。过去电脑价格比较昂贵，只有少数单位和个人能够拥有，而随着电脑技术的日益成熟以及商家之间的价格竞争，电脑的价格已经下降了不少。如今走进学生的宿舍，往往可以看到桌面上摆着台式或笔记本电脑，学生们正熟练地使用计算机上网。在课堂上学生甚至会用手机查找学习资料，帮助理解课堂知识。所以，个人电脑的易于取得为利用互联网进行学习提供了必要的条件和准备。
2.互联网的使用方法简单易学
现在人们已经普遍懂得使用络浏览器上网阅读资料，通过搜索引擎和数据库平台进行资料查找也很简单，只要输入关键词就可以搜索到，使用方法比较简单。通过电子邮箱收发邮件，通过聊天工具交流信息，传输数据，通过论坛发表自己的观点、看法也是很方便的事情。而这些为互联网辅助教学起到了促进的作用。
3.学生对网络的喜爱
作为年轻的一代，学生对新事物的接受很快。同时他们又具有较强的求知欲和好奇心。校园里的电子阅览室常常是座无虚席，宿舍里也经常能够看到学生们上网的身影，学校周围的网吧也总是生意兴隆。上网在学生们的生活中所占的比重越来越大。学生们对互联网的热情对利用网络进行教学大有益处。
二、互联网辅助美术鉴赏教学的便利与优势
1.互联网上具有美术鉴赏课所需的丰富教学资源
美术鉴赏课的教学需要大量的图片、文字、数据、视频等参考资料，现在网络当中已经存在有大量与美术相关的网站，可以为教学提供丰富的资源。
（1）具有检索功能的图书期刊数据网站
现在许多院校向这些数据网站交付一定的使用费后提供给本校的师生免费使用。这些网站有几大好处：一是资料可靠，二是质量有一定的保证，三是能够满足同时查阅资料的需要，四是下载后可以长期阅读，不必担心借阅超期问题。这些检索系统的数据是直接把纸质的材料直接转换成电子数据，中间几乎没有数据的丢失或者修改，资料的可信度较大。这些资料也是大部分来源于一些正式的出版物，在质量上是有一定的保证的。图书馆的藏书是有限的，如果出现许多人同时要借某一个资料或者是某一类资料，就不一定能同时满足借阅的需要，而网络上的资源就不存在这样的问题，可以供许多人同时下载，而且没有借阅期限，可以有充裕的时间来进行阅读和思考。这是利用互联网络进行学习时很重要的一个资料来源。
（2）介绍画家个人艺术创作为主的网站
这类网站包括了艺术家的个人网站、艺术家个人美术馆所办的网站。艺术家的个人网站一般包括艺术家的个人简介、作品的在线展示、艺术观点和评论文章，以及艺术活动、出版著作和获奖收藏等等。这类网站往往能够较好地选择出代表艺术家创作面貌和整体水平的作品。对艺术家的介绍也比较概括、简练。同时网站往往还放有艺术家所撰写的文章、访谈以及一些比较有代表性的评论文章等。艺术家个人美术馆所办的网站由于有专业的艺术研究团队以及固定的资金的支持，网站规模就要大得多。对艺术家的介绍文章一般要更加的细致深入，在线作品范围更广，包括了艺术家不同时期的代表作品，著录也较为详细，而且这些美术馆里因为收藏有艺术家的大量作品，所以在这些网站上还可能看到一些在别的网站不常见到的作品。网站上表现艺术家自己艺术观的文章、访谈以及评论、研究文章更为丰富和齐全，能够让学习者全方位多角度地了解艺术家及其作品。这些网站也是比较可靠的美术鉴赏教学的资料来源。
（3）美术史课程学习的网站
这类网站专为美术史学习、爱好者设计，内容丰富，图文并茂，编排严谨，科学合理，可靠性强，能够为课程学习提供大量的参考。
（4）美术组织机构的网站
这些网站中包括了美术中各个门类艺术协会所主办的网站，地方及全国美术家协会的网站。这些网站里有协会展览、学术动态、艺术新闻、艺术家介绍、艺术理论、新作展示及博客、论坛等等。这些网站的专业性比较强，学生能够从中学习到不少专业知识，而且对了解各个学科发展的最新动态有很大的帮助。
（5）美术的综合性网站以及综合网里的美术部分
这些网站包含了和美术有关的大量信息，内容丰富，包罗万象。它们的受众面较广，常常还包含了收藏方面的内容，和现实生活联系比较紧密。学生通过浏览这些网站，可以把课堂中学到的知识、理论、方法等和现实生活中的美术现象联系起来理解，可以努力做到理论联系实际，学以致用。
（6）百科类网站
经过这一段时间美术鉴赏课的学习，我想从一幅花鸟画——《瑞鹤图》简单谈一下美术鉴赏的意义。那么要谈美术鉴赏的意义，首先我们要知道什么是美术鉴赏。
了解了什么是美术鉴赏，下面就要说说美术鉴赏的意义。既然是鉴赏美术作品，那美术鉴赏的意义就首先是美术作品的意义。
而美术作品的意义又分为本身意义及延伸意义。其本身意义就是说我们看到一件美术作品时所获得的美感和愉悦感。拿《瑞鹤图》来说，此图绘彩云缭绕之汴梁宣德门，上空飞鹤盘旋，鸱尾之上，有两鹤驻立，互相呼应。画面仅见宫门脊梁部分，突出群鹤翔集，庄严肃穆中透出神秘吉祥之气氛。此幅一改常规花鸟画构图的传统方法，将飞鹤布满天空，一线屋檐既反衬出群鹤高翔，又赋予画面故事情节，此在中国绘画史上是一次大胆尝试。绘画技法尤为精妙，图中群鹤如云似雾，姿态百变，无有同者。更为精彩之处，天空石青满染，薄晕霞光，色泽鲜明，鹤身粉画墨写，睛以生漆点染，顿使整个画面生机盎然。卷后为徽宗瘦金书题记及诗，款“御制御画并书”，签押“天下一人”，观其书风，健笔开张，挺劲爽利，侧峰如兰竹，媚丽之气溢出字里行间。看到此图后，我们为之一震。一片生机跃然纸上。我们在看图的同时，也得到了美的享受。这就是其本身意义。
北宋政和二年上元之次夕（即公元1112年正月十六日），都城汴京上空忽然云气飘浮，低映端门，群鹤飞鸣于宫殿上空，久久盘旋，不肯离去，两只仙鹤竟落在宫殿左右两个高大的鸱吻之上。引皇城宫人仰头惊诧，行路百姓驻足观看。空中仙禽竟似解人意，长鸣如诉，经时不散，后迤逦向西北方向飞去。当时徽宗亲睹此情此景兴奋不已，认为是祥云伴着仙禽前来帝都告瑞——国运兴盛之预兆，于是欣然命笔，将目睹情景绘于绢素之上，并题诗一首以纪其实。但“祥瑞之兆”却难以挽回衰败的国运，此后第十五年，即公元1127年，金兵攻陷都城汴梁。宋朝军民纷纷起来抗击金兵，金人自知无力吞下这个腐朽然而却十分庞大的
帝国，遂尽掠九十二府库160余年所积藏的金银财宝、书画珍玩等，连同徽、钦二帝及皇族、臣僚三千余人席卷北去，《瑞鹤图》遂散落民间，不知去向。600年后，《瑞鹤图》竟奇迹般现世，归藏清内府，倍受诸帝珍爱，钤有“乾隆御览之宝”、“石渠宝笈”、“宝笈重编”、“乾隆鉴赏”、“嘉庆御览之宝”、“宣统御览之宝”等玺印，并著录于《石渠宝笈》续编之中。入清内府前，《瑞鹤图》曾经元胡行简、明项元汴、吴彦良等人递藏。1945年8月17日，溥仪随身携带数箱珍贵书画及珠宝玉器欲乘机逃往日本，途经沈阳时为人民解放军及苏军截获，此批重要文物随即被护送到东北银行代为保管，其中就包括《瑞鹤图》。1950年，劫后余生的《瑞鹤图》等一批清宫散佚书画入藏东北博物馆（即辽宁省博物馆）至今。“西湖一勺水，阅尽古来人”，《瑞鹤图》见证了中国宋、元、明、清几代封建王朝的兴盛覆亡，历经了生死攸关世事沉浮的变幻沧桑，得以完整留传至今，实在是历史的珍宝，收藏的传奇。
仅仅通过一幅画，我们就了解到这么多的历史文化知识，我们的文化底蕴、艺术和文化素养得到极大提高。美术作品的延伸意义可见有多么大！
美术鉴赏的意义除了上面说的美术作品的意义，还有鉴赏这一过程的意义。鉴赏美的过程，有利于我们培养审美能力和审美情趣，有利于我们培养积极性、主动性和创造美的能力，有利于我们树立正确的人生观和价值观。
正如上面我说的，美术鉴赏能使我们获得美感和愉悦感，美术鉴赏能丰富我们的文化底蕴，美术鉴赏对我们的性格、感情、认识、人生观、思想观等都有非常重要的意义。我们何乐而不为呢！
鉴赏是小学美育的灵魂，是打开儿童美丽心境的钥匙。一个对生活充满热爱、对生命充满理解和尊重的人，总是会从不同角度去鉴赏，发现美和价值，这在教育中是一种真正的、充满智慧的大教育观。在小学美育中，鉴赏更是必不可少，范围也是非常广泛的，课堂教学的艺术鉴赏课外教材的补充鉴赏，兴趣爱好的培养鉴赏，人才的赏识教育，从一幅画，一节课，一本书，一个人，一个国家都有他值得鉴赏的魅力。下面我来谈谈鉴赏教学的多种形式。
一、在特定的文化意境中鉴赏
任何美术作品都不是孤立存在的。不是真空的产物，都是在特定的历史文化背景中创造出来的。因而在进行美术鉴赏教学时，不能单纯地讲技法，而要将作品回归到原有的历史环境中，回归到特定的文化情境中，让学生真正体会到作品所要表达的人文含义。
二、融入更多的生活元素
伟大的教育家苏霍姆林斯基曾经说过：“没有一条富有诗意的、情感的和审美的清泉，就不可能有学生全面的智力发展。”可见，生活是艺术创作的源泉。生活中的美术现象俯手可拾。在美术教学时，可以密切联系学生的生活经验，把课内与课外、校内与校外结合起来，创造出一个宏观意义上的美学情境。我们可以带领学生到校园中走走，让他们分析、评论校园建筑的布局和特色，找自己感兴趣的建筑进行全方位观察。如果有条件，我们还可以带学生参观当地的美术馆、博物馆、宗教寺庙、园林、民居；或者来到野外，那初升的太阳、绚丽的晚霞、雨后的春笋、雪中的高楼等绚丽多彩的大自然会牵动着儿童的心，为美术教育提供极好的营养品。打破教师对讲台的垄断，打破教科书对课堂的垄断，开放课堂，提供多元化选择，以真正适应课程改革的需要。比如《校园小记者》书本要求学生出一期校园小报，学习艺术字。我要求学生当一次真正的小记者，走出课堂，采访学生和老师，以亲身经历来积累资料和经验。在实践中体会艺术的真谛。
三、调动多种感官，营造美的情境。
人类以眼睛、耳朵、皮肤、鼻子等多种感官去感受美，这在以美育人的美术教学课堂中尤为重要，因此应利用多种途径加以调动。例如：精美的挂图、优美流畅的语言、生动形象的表情、优雅的举止、得体的服饰、悦耳动听的音乐等等，形成了美的教具、美的语言、美的表情、美的服饰、美的音乐、使美无处不在，美贯穿始终，让学生感到上一节美术鉴赏课就是一种美的享受，在潜移默化中受到美的熏陶。
四、提供交互式平台
学生鉴赏美术作品所得到的感受肯定是见仁见智的。不过，由于受经验和能力所限，他们的看法也许是幼稚和片面的，但只要是真切的感受，我们就应该给予尊重和认可，不必强求统一。现代美术教学非常重视让学生表达自己的感受，我们一定要有意识地为学生创造这种机会。
课堂是交互式的主平台。教师可引导学生在鉴赏过程中讨论，在讨论中鉴赏，可以从对作品的题材、主题、造型要素与形式等进行讨论，还可探讨作品的风格，内涵，即感情、观念、思想等。鼓励学生在个性的基础上大胆地表现，发表自己与众不同的见解。积极创设生动和谐的氛围，展开想象的翅膀，发挥创新的潜能，做到敢想、敢说、敢做、敢画，培养学生的创新意识。
五、引入多媒体
计算机可以将课件制作水平提高到一个新的水平。如在教学中，对于点、线、面、体的理解，以前只能枯燥地讲解，现在通过计算机的帮助，教师可以成功制作出简易动画，演示点到线、线到面、面到体的整个运动轨迹，并运用在画中的不同位置来观察不同的视觉效果。从而更好地理解作品构图。
美术鉴赏课有很强的直观性，使用计算机辅助教学，通过数码投影仪，就可以将作品清晰地放大展示，让学生在鉴赏课上能够真正地“鉴赏”。
六、渗透思想品德教育，培养健康审美情趣
别林斯基说：“美和道德是两姐妹”。从本质上看，不道德的事物是不美的，只有符合健康的审美心理的事物才是真实、高尚、道德的。换而言之，一个人只有接受了卓有成效的审美教育，在其发现美、评价美、追求美的过程中，形成正确的审美评判标准，才可能成为一个高尚的、有道德的时代新人。因而，在美术教育中渗透思想品德教育，是不可推卸的责任。教师应根据鉴赏作品所蕴含的丰富的内涵，挖掘和强化作品中的德育因素，将思想品德教育、行为规范教育、人格情操教育、理想和人生观教育有机地结合到教学活动中，以实现“教书育人”的最终教学目的。
当然，在艺术教育中不仅有教师对于学生美术鉴赏的教育，更有对于学生个人的鉴赏，对人的鉴赏，远比一副艺术作品的鉴赏更具有前瞻性，我们教育的根本是人，推动社会发展的也是人，学生就是我们国家未来的希望，世界的未来主人，因此，人才的培养就是对人的鉴赏，先鉴赏，后发展，是如今教育界流行和倡导的理念，“鉴赏”不仅仅是“爱”，更是信任、尊重、理解、激励、宽容、提醒。通过鉴赏教育，帮助学生找到学习、生活乃至未来发展最合适的位置，让他们将自己的个性和潜能发挥到极致，获得生命的乐趣。
初等教育专业美术专修生将在日后的教育工作中担负着小学美术的教学工作。小学美术教育除培养学生的动手作画能力外，更多的将培养学生的美术兴趣，建立审美意识，学会如何在生活中发现美、创造美。因此，这就要求小学美术教师不仅具有较强的绘画实践能力，而且更要具有很强的发现美和认识美的能力，不断引导学生培养正确的审美认识，这一能力的获得就必须要求美术专修生有正确的、全面的、较强的对美术作品和美术现象的鉴赏能力。
在美术教育工作中发现，很多美术专修生通过一段时间的专业技能训练，画面表达能力有较大提升。同时也经常反馈这样的信息：画的真好，某某物体画得真像；也有学生将自己的作品给我点评，当我反问学生，你觉得自己的画怎样时，学生就傻了眼，除了对表面的形体、体积、空间的判断，然后就无法深入的思考与认识，当面对梵高的《向日葵》、罗中立的《父亲》等这样的经典作品更是无法鉴赏。教师平时可能一味注重绘画技能的训练，忽视了学生鉴赏能力的培养，造成了“眼低手高”的局面，这样下去学生的画面会越来越“匠气”，学生会严重缺乏正确的审美认识与艺术创新意识，也将无法适应美术教育工作。
下面就如何加强学生鉴赏能力培养浅谈我的看法：
一、加强美术理论学习，建立审美体系
在目前的美术教学中，美术史论的教学是相当薄弱的，无论是课程设置还是教师教学本身。往往只注重了绘画技能的培训，造成了普遍的“眼低手高”的僵局。
加强美术史论的学习，全面了解中外美术的起源、发展、演变、流派等，让学生建立基本的审美意识和完整的审美体系。当然，这种理论的学习是比较枯燥的，教师应当结合当时社会环境、社会反应和社会影响来教学。例如：唐代张萱的《捣练图》，描绘了当时贵族妇女的生活风俗；阎立本的《步辇图》描写了文成公主与松赞干布这一汉藏两族通婚的史实；宋代张择端的《清明上河图》把汴京的繁华景象，汴河上下的各种人物、景物等社会生活风貌无不具体而生动、真实地展现给我们，在绘画史上具有重要的价值；吴道子所画的人物颇有特色，笔不周而意足，貌有缺而神全；他还善于轻重顿拙似有节奏的“兰叶描”，笔势圆转，衣带飘举，盈盈若舞，形成“吴带当风”的独特风格，风行一时……徐悲鸿画的马、郑板桥画的竹、李可染画的山等等，除了给我们以美的享受，还让我们了解历史，认识社会，向我们传达了一种精神。通过教师将作品、人物、社会背景进行有机结合，将在很大程度上激发起学生学习美术史论的兴趣，帮助学生逐步建立审美体系。
二、赏析经典作品，强化审美意识
教育学家第斯多惠在教师规则中讲过：“我以为教学的艺术，不在于传授的本领，而在于激励、唤醒。没有兴奋的情绪怎么激励人？怎么唤醒沉睡的人？”学生阅历、知识、经验的不足，很难对美术作品积极主动地欣赏。这就要求教师在美术鉴赏教学中对学生作适当的引导和激发。
于此，教师应经常性赏析一些不同类型的经典作品让学生感受、体验、分析、判断，而获得审美享受和美术知识，强化审美意识。教师可帮助学生分析美术作品的形象、情节，特别是一些引人入胜的细节，如父亲耳朵上的笔、蒙娜丽莎的神秘的微笑等等，再通过生动恰当的语言描述，以此为突破口引发学生的注意力和兴趣。
另外，学生受文化修养、社会背景的差异影响，审美需求和角度也不一样。教师要能容忍和接受学生的各种见解和感想，对学生的审美倾向和差异持有正确的态度。
三、提高习作质量，渗透审美情感
在日常的绘画中，不仅是提高绘画表现技法的学习，更是进行审美渗透的好时机。那怕是一个简单的陶罐，一幅普通的风景，也要求学生对客观物象进行概括、提炼，渗透进自己对物象的审美情感，甚至可以通过物象表达对社会状态及人物情绪的表现。通过这种长期的思考与练习，让学生不由自主地将绘画练习与审美情感相融合，以此来建立良好的审美认识。
我想，通过以上方法的教学与实践，定会让初等教育美术专修生的美术鉴赏能力得到较大提高，当学生建立了完备的审美体系和较强的审美能力后，对画面本身也有大幅的提升。
总之，美术不仅属艺术范畴，它是学术，是社会科学，以学术启发技术，点石成金，技进乎道，庶几不惑，则更易于成为艺术。
