当今学科林立，其边缘问题触目皆是，因而突破点也容易找到，而且这种处于学科边缘和交叉点上的问题，又大多是人们尚未涉猎的领域，撞车的可能性较小，较易获得突破和取得成果。选这类课题，应同时对两门或更多的相关学科有较深较独到的研究，只有这样，才会产生真知灼见。选这类课题，应防止一知半解而生拉硬扯、牵强附会，特别应避免非科学的标新立异。在这方面我自己也算是一个受益者：两个学位论文涉及的学科包括教育学、美学、艺术学、心理学、社会学等(但其中多数也就是一知半解的水平)，还有好几篇文章也是找到了不同学科或不同研究方向的结合点而写成的。如《艺术教育与人的全面发展》一文结合了艺术学和教育学;《我国美育功能研究的现状及新视野》一文结合了美学和教育学;《开放的时代呼唤审美的人》结合了社会学和美学;《德美并重是解决德育低效问题的有效途径》一文则把美育和德育较好地结合了起来等等。同样，具体到我们音乐教育领域，在宏观上，我们可以把音乐教育学与心理学、社会学、伦理学等许多学科结合起来进行选题;在中观和微观上，则可以从音乐教学与其他各科教学的结合，音乐教学中不同教学内容方面的结合，中小学与师范院校或普通高校的结合，音乐教育与工作效率、与心理治疗的结合等等多种角度来考虑选题。
一、钢琴教学的内容和方法
钢琴教学大致可以分为启蒙、初级、中级、高级四个阶段，各阶段的内容包括基本练习、练习曲、复调作品、乐曲几大类。启蒙阶段主要是对指法、音阶、琶音、和弦的练习。手指练习可选用李斐岚的《儿童钢琴手指练习》、哈农的《钢琴练指法》、什密特的《钢琴五指练习》等。陈庆峰的《音阶与琶音》、熊道儿和李素心的《音阶和弦琶音》适于练习音阶、琶音和和弦。初级阶段依然是打基础的阶段，要巩固手形、手掌的支撑，完善非连音、连音和跳音三种奏法的综合运用。初级阶段的练习曲可选车尔尼的《钢琴初步教程》《钢琴简易练习曲》等，复调作品可选巴赫的《初级钢琴曲集》《小前奏曲与赋格曲》等，乐曲可选汤普森的《现代钢琴教程》、威尔的《世界儿童钢琴名曲集》等。中级阶段要加强训练手指的独立性和灵活性，使手指均匀、有力的跑动训练，学习不同的触键，增强指尖的灵敏度，弹奏出不同层次的音色变化，进一步训练手指、手腕、手臂三者的相互配合，逐步掌握各种专门技术。中级阶段可选的练习曲有车尔尼的《25首钢琴小手练习曲》、克拉莫《60首钢琴练习曲》，复调作品可选《创意曲集》《法国组曲》等，乐曲可选莫扎特《钢琴奏鸣曲集》、肖邦《夜曲集》等。高级阶段的重点在音乐表现上，从乐曲中学技术，用技术表现音乐。此阶段应广泛地接触各种风格、各种类型的作品，扩大曲目范围。钢琴教学的方法主要包括讲授法、示范法、提问法、指导法、练习法、欣赏法、发现法。这些为钢琴中的一般方法，在针对不同教学对象时需要采用与一般不同的特殊教学方法。
二、钢琴教学教材的选择和搭配
教材的选择是教学设计中的重要组成部分。对教材的选择依据不同的教学阶段、不同的教学对象、不同的教学需求。如在不同的教学阶段选择不同，在初级阶段可选《汤普森现代钢琴教程》第一册、应诗真的《中国儿童钢琴教程》等；在中级阶段可选《汤普森钢琴教学》第四册、柴可夫斯基《四季》等，在高级阶段可选克列门蒂的《钢琴名手之道》《帕格尼尼的钢琴练习曲》《巴赫平均律》等。在钢琴教学中教材常常是搭配使用的，不同体裁的作品、不同风格的作品、不同时代的作品、不同程度的作品需要进行合理搭配。
三、学员演奏心里的调节
从艺术实践看，心理状态对演奏结果的好坏有着巨大的影响。因此，教师应当在教学过程中对学生进行系统的心理训练，从而使演奏者获得良好的心理状态。演奏前学生应有的心理准备，即第一，要使身心处于放松状态，保持良好的心境及身心的和谐统一；第二，要有强烈的演奏欲望和自信心；第三，审美完形心理结构的积累和凝聚；第四，始终要保持理智；第五，具备随机应变的能力。演奏中学生的心理调节包括临场的心理调节、创造热情的激发和控制、排除杂念、应变能力。临场心理的调节主要是在即将上场前，学生应回避嘈杂的环境，选择安静的地方活动手指，边读谱。这样不仅可以保持手指肌肉的灵活自如，还可以缓解因激动、紧张而造成大脑情绪中枢过度兴奋。演奏时，演奏者要正式投入表演，随时激发、调动创造热情，富有激情的演奏才能引发听众的情感交流，使演奏者与欣赏者在音乐声中融为一体。同时演奏者又必须控制感情强度和变化幅度，保持理智、清醒的头脑。在演奏过程中，演奏者要排除一切杂念，把紧张而引起的兴奋中心转移到对音乐体验的兴奋中去，把全部注意力投入到演奏曲目的情感中去。在每一次演出中，都难免会发生来自外界的或者演奏者本身的始料未及的突然变化，一个成功的演奏者必须具有随时沉着应付各种突变的能力。
四、结语
在钢琴教学中教师主观施教和学生被动学习存在着各种弊病，这种以“教师为中心”的教学模式不利于发展学生的钢琴演奏水平。所以本文以简述钢琴教学的任务、目的、内容、方法、教材的选择和搭配、演奏心理的调节为基础，强调教师自身的知识与教学要求，还需要教师能够处理好教师与学生之间的师生关系，不再是以往的教师主观施教和学生被动学习的教学模式。而应该更多地顺应现代教育思潮，以教师为主导，充分调动学生学习的积极性和创造性。
一、歌唱心理在声乐教学中的应用
在声乐教学中，应用并培养学生的歌唱心理，可以使其发挥积极的作用。声乐教学与其他学科的教学不同，在声乐教学中，教师和学生之间的配合非常的重要，教师在课堂中的教学态度和教学语言，对学生的心理会产生极大的影响，所以在声乐教学中，教师需要认真、耐心、友好地与学生交流，并细心观察学生心理上的变化，合理的运用学生的心理活动，提高学生的声乐学习技能的学习。在声乐教学中，歌唱心理的应用表现主要有：
（一）对学生的兴趣、爱好进行培养
兴趣的学生最好的老师，有了兴趣，才会不断的追求，只有对声乐感兴趣，才会不断的追求。在声乐教学中，歌唱心理的应用，首先体现在对学生兴趣、爱好的培养，兴趣的声乐学习中非常重要，对学生的声乐学习兴趣进行培养，可以提升学生对声乐的情感，增加学生对声乐的喜爱，让学生在声乐学习中，充分发挥自身的优势，增强自信心。
（二）对学生的心理和感觉进行引导
声乐教学与其他类型的学科教学不同，声乐教学具有不确定性，很难在教学中，通过规范化的语言文字将声乐教学中的知识传授给学生。声乐教学中的很多东西都是只可意会不可言传的，为了提高声乐教学质量和教学效率，需要声乐教师在教学的过程中，对学生的心理、声乐感觉等进行引导，帮助学生在声乐学习中，形成正确的心理和感觉。声乐教学非常注重素养，为了有效的利用歌唱心理，需要通过引导，提高学生的声乐修养。
（三）在演唱前、考试前对学生进行心理辅导
二、结语
歌唱心理在声乐教学中具有重要的地位，发挥着举足轻重的作用。在声乐教学中，应用歌唱心理，可以帮助学生掌握声乐学习的技能，增强学生对声乐的认识，同时在声乐教学中，应用歌唱心理，还可以促进课堂教学的顺利进行，提高声乐教学的质量和声乐教学的效率，充分的发挥学生在声乐学习中的积极性。歌唱心理在声乐教学中，发挥着重要的作用，帮助学生更好的诠释每一首音乐作品，达到声乐教学的目的和声乐教学效果。
【摘要】：高校音乐艺术教育是高等教育教学过程中必不可少的一部分，但是在实际教学过程中，很多教师没有意识到音乐教育的作用。因此，本文主要探讨音乐艺术教育的意义与作用，激起高校教师对音乐艺术教育的重视。
【关键词】：高校音乐艺术教育；意义与作用；研究
0.引言
隨着社会的进步，我国高等教育的思想也发生了较大的改变。在教育过程中不仅强调要培养更多具备专业素质的人才，更要重视高素质以及全面发展的人才的培养。在这一教育过程中，高校音乐艺术教育的作用突显，是高校教育教学的重要内容，具有不可替代的作用。为了更能有效地开展音乐教育活动，对高校音乐艺术教育的意义以及作用进行分析具有重要的现实意义。
1.高校音乐艺术教育的意义
在高校通过音乐艺术教育或者开展公选课的方式进行多种形式的艺术活动，这有利于增长学生对艺术知识以及音乐理论的学习，增长学生的求知欲望。就音乐教学而言，教师懂得如何欣赏音乐，如何熟读歌谱，并从中体会到轻音乐、交响乐以及其他类型的通俗音乐所带给自身的力量。处于大学阶段的学生，其思维比较活跃，学生的学习需求比较多样，其脑子里也并不是只有英语单词、高数知识等相关内容[1]。当学生在学习过程中，学生也需要在生活中去获得艺术的营养成分，能在抽象思维之外获得更多的形象思维。抽象思维以及形象思维都是学生生活中不可缺少的重要组成部分，两者都不可或缺。只有通过这样的方式，学生的人生才能更加的绚丽夺目。在两千五百多年前，孔子主张的六艺之中就强调了学习音乐的重要性，孔子也亲自实践，并虚心地向专家请教。孔子的思想核心是“仁”，要求其在乐的基础上学习仁义，最终达到最高的境界。音乐能有效地完善学生的情操，进一步提升学生的音乐欣赏水平。音乐教师在众多课程教学过程中必不可少的一部分，高校在教学过程中也要提升音乐教学的地位，在教学实践中突出音乐艺术教育的作用。
2.高校音乐艺术教育的所存在的问题
音乐艺术教育不够重视
高校音乐艺术教育经过许多年的发展有了很大的进步，但是就目前来看由于受到传统应试教育理念的影响，音乐艺术教育对于许多家长和学校作为上得名校的加分工具，音乐艺术教育并未将学生作为艺术人才的高度来培养，音乐艺术教育局限于音乐专业小众化教育圈。曾有专家对高校学生音乐素养的调查表明，几乎所有的高校学生都肯定了音乐艺术教育课程的必要性（如图一和图二高校音乐艺术课程的课堂情况），但其中只有少部分的学生喜爱音乐，极少数的学生对音乐专业知识有着一定的了解。造成这一现象的原因并不单单是学生兴趣取向的问题，更多的是学校和社会对于音乐艺术价值的不重视，传统教学理念对于音乐艺术的轻视严重阻碍了我国高校的音乐艺术教育发展。高校音乐艺术教育存在的问题。
音乐艺术教育投入不足
由于高校对于音乐艺术教育的不重视，加上许多高校本身收到资金的限制，使得许多高校在音乐艺术教育方面的投入远远不足。目前，除去一些音乐艺术的专业学校外，大多数非艺术类院校对于音乐艺术教育的不重视已经成为高校的一种常态，加上许多高校主要将资金用于其他专业课程的建设当中，对于高校自身音乐艺术设施和师资力量方面的投入大大不足，虽然许多高校都在提倡培养学生音乐艺术等综合素质，但投入的不足破事高校音乐艺术教育发展只流于形式，根本得不到实质化的发展。
音乐艺术课程设置不当
大多数高校由于教学投入的不足，加上本身对音乐艺术教育的不重视，使得许多学校在音乐艺术教育方面的课程设置方面不当。在课程上，大多数学校的音乐艺术课程不当一方面表现在课程较少，另一方面表现在课程关联性小。课程较少使得教师在安排教学内容时非常困难，教师要必须非常有限的课时内完成较多的教学内容，教师不得不对音乐艺术课程中许多内容进行适当删减，学生学到的音乐艺术知识也就极其有限，长此以往高校音乐艺术根本得不到进一步的发展。另外，许多高校对于音乐艺术相关课程的设置关联性小，学生学的音乐因数知识跨度太大，没有一个循序渐进的过程，致使学生音乐艺术素质得不到进一步的提高。
3.高校音乐艺术教育的重要作用
音乐艺术教育促使学生形成良好的情趣
音乐是人精神世界的营养品，通过音乐艺术教育能丰富学生的精神世界。与其他课程不同的是，音乐教育不能采用说理的方式进行，其更需要通过对学生进行不断地熏陶以及感染最终达到净化学生心灵的作用，提升学生的审美体验。德国一位比较著名的科学家曾经说过，在进行音乐教育的过程中并不是关注音乐本身，而是重视对精神的探讨，他认为音乐是人的情感自然流露出来的东西。在人的教育过程中，音乐教育是必不可少的一部分，如果高校教育中缺少了音乐艺术教育，那么，这种教育就变得不完整。学生没有音乐审美意识就称不上是一个全面发展的人，由此可见，音乐和人的生命本体具有密切的联系，是人精神生活中所必备的东西。在一次学校调查过程中发现很多高校学生都喜欢音乐艺术教育，其也希望能开设更多的音乐艺术教育课程。这对于深化学生的思想品格，升华学生的精神境界，对于美化学生的心灵具有重要的作用，这也不是能用语言所能传达出来的。
一、从“韵味”角度看民族声乐艺术的审美特征
民族声乐艺术的“韵味美”具体从“文字、声音、感情”三个方面来体现，具体一点来说就是文字的表达、声音的表现以及感情的体现。一方面三者同时做好，才能完整表现出民族声乐艺术的“韵味”。而另一方面，一首民族歌曲的好坏也要通过字、音、情这三个重要的审美特征来评判。
1、文字的“韵味”
汉族的语言表达讲究“字正腔圆”，民族声乐艺术的表达也同样重视“字正”。字的“韵味”体现在语言的规律和表达上，咬字清晰有力是传递歌词意思，表达感情的良好途径，而选择对的字也是正确表达意思的首要考虑。另外，歌词的语气、情态、语势等方面的处理和表现也能促进民族音乐的韵律表现，只有拥有深厚的文化修养的作词者才能创作出与音乐旋律相符合的歌词。中华文化博大精深使得文字的表现有着多种方法，也为民族音乐创作提供了巨大贡献。在民族声乐艺术进行表演时，如果观众只闻其声，不见其字，则根本无法完整理解演员要表现的意思和情感。而字的选择稍有偏差也会影响观众对整段歌词的理解，甚至会误导听众对整个歌曲的感情表达。如何用耳鼻口等发音器官发音是每个民族歌唱艺术家的必修课，而歌词的描述也是民族歌曲能否达到人人传唱水平的重要因素。因此，文字不仅是民族声乐的精华，也是民族声乐艺术的重要审美特征之一。
2、声音的“韵味”
仅仅在文字上的完整表达并不能使民族歌曲受人喜爱，生活中往往一段好的曲子即使没有文字也会令人听之难忘。例如90年代全球畅销的金曲”Myheartwillgoon”，其英文歌词并不是多数中国听众能够理解的，但是其旋律越感情却征服了一大批人，由此可见声音的“韵味”可以说是歌曲的灵魂。所谓音韵是通过文字发声的长短、婉转等技巧来控制和表现的，民族声乐中的技巧运用尤为丰富，最突出的特点是声音高亢、响亮的同时又不失优美。在民族声乐艺术中，讲究声音的发声技巧、共鸣、腔体等表现手段，这些手段是感情表达的有效方法。现代的一些歌厅的歌唱者，没有对歌唱技巧进行掌握练习，只一味追求民族声乐中的声音高亮，常常让听众感到声音刺耳和疲惫，不能把民族音乐的优美传达给听众。好的歌唱家拥有深厚的歌唱技巧，唱起歌来表情甜美，无论唱怎样的歌曲都带有自己的声音“韵味”，即能提升自身的音乐形象，也能和听众形成情感共鸣。由此可见，声韵是打动观众的不可或缺的因素，是民族声乐的最高审美特征。
3、情感的“韵味”
二、结论
中华民族声乐艺术的“韵味美”是字韵、声韵、情韵的共同表现，字韵使得听众意动，声韵使得听众耳动，情韵使得听众心动。因此，字、声、情三者的协调融合，才能确保民族音乐的韵味之美。从“韵味”的角度对民族声乐艺术进行解读，一方面能够对民族声乐艺术的审美特征有着更好的认识，另一方面也可以为推动民族声乐艺术的发展做出贡献。
摘要：
教学体制不断改革，对高校艺术教育教学提出了更高的要求。高校面向社会，不仅要为学生普及基础的艺术知识，还要提升学生的实践技能，促进学生的全面发展。开展音乐实践活动，可以实现理论和实践的统一，让学生在实践中认识音乐知识、理解音乐知识、吸收音乐知识。文章具体探讨高校艺术教育教学中音乐实践的意义与实施策略，希望能为相关人士提供一些参考。
关键词：
高校艺术教育；音乐实践；实施策略
进入新世纪以来，我国的教育事业进入了快速发展阶段。高校艺术教育教学具有重要作用，不仅能提升学生的艺术素养，还能缓解学生的学习压力，为学生的未来发展奠定基础。艺术教育具有综合性特征，艺术理论教学和艺术实践缺一不可。许多教师忽视了音乐实践的重要性，阻碍了教学目标的达成。为了避免出现上述问题，高校必须认识到音乐实践的意义，探讨音乐实践的实施策略。
一、高校艺术教育教学中音乐实践的意义
（一）提高音乐素养课堂
长期以来我国推行应试教育，应试教育以理论教学为主，极大压抑了学生的学习兴趣。为了弥补应试教育的不足，我国推行教学体制改革，高校艺术教育教学也面临一些新变[1]。在过去，很多教师束缚在传统教学体制的桎梏下，对学生进行理论灌输，没有将理论熔铸到音乐实践中，致使学生的学习能力较低。在高校艺术教育教学中开展音乐实践，可以更新教学模式，促进音乐理论和音乐实践的结合。
（二）掌握音乐技能
在音乐实践中，学生需要充分施展自己的才能，在活动中发挥自己的作用。音乐实践需要以音乐理论作为指导，学生只有掌握专业的音乐理论，熟练运用音乐理论，才能提高音乐实践水平。许多学生对理论知识理解不足，会对音乐实践产生不利影响。通过音乐实践，学生能意识到自己的优势与劣势，教师也能以此为依据制定教学计划。
（三）促进团队合作
高校学生大多为独生子女，独生子女的成长环境比较特殊，具有独立性和孤立性。这些独生子女在父母的关爱下长大，以自我为中心，很容易养成自私自利的性格。音乐实践大多是团队活动，学生需要加入小组，参与到小组讨论中，和其他团队成员建立友好关系。在音乐实践的作用下，学生的团队协作能力大大提升，可以在团结友爱的氛围中获得友情。
（四）突出主体地位
在教学体制改革的背景下，学生成为课堂主体，只有尊重学生的主体地位，才能激发学生的学习兴趣，调动学生的学习积极性。学生在音乐实践中可以充分体现自身的主体地位：学生既可以成为小组讨论的领导者，就某一话题展开分析；学生也可以成为小组讨论的参与者，与其他成员进行互动[2]。
二、当前高校艺术教育教学中音乐实践的不足之处
（一）实践认知不足
音乐实践是高校艺术教育教学中的重要内容，为了提高音乐实践水平，高校需要正确认识音乐实践，科学规划音乐实践课程。高校最终要面向社会，以培养社会所需的全面发展型人才作为重要目标，想要促进学生的全面发展，必须深化音乐实践认知，拓宽音乐实践范围。值得注意的是，当前我国大部分高校都没有设立专门的音乐实践课程，对学生进行专业实践培养。在高校认识不足的情况下，学生逐渐对音乐学习失去兴趣，否定了音乐学习的重要性。
（二）实践形式单一
艺术理论和艺术实践具有统一性，音乐理论是音乐实践的指导，音乐实践是音乐理论的基础。一些高校举办了音乐实践活动，如音乐演出、音乐剧表演等等。参加音乐实践活动的学生大多为学校的优等生，其他学生很难参与到音乐实践活动之中。在开展音乐实践活动的过程中，高校偏重学生艺术行为能力的培养，忽视了学生组织能力、领导能力的培养，致使学生发展存在短板[3]。
（三）实践内容匮乏
上文已述，高校最终面向社会，高校的人才培养目标和社会的人才需求目标密切相关。为了使人才培养有章可循，高校应该对人才市场变化进行分析，尽可能满足市场的人才需要。很多高校在开展音乐实践时没有考察人才市场的需求情况，也没有对音乐实践内容进行适时调整，致使学生个人能力和市场需要相距甚远，学校的人才培养目标无法顺利达成。
（四）实践机会较少
纵观我国的高校艺术教育教学，可以发现音乐实践的比重较小，音乐理论的比重较大。由于音乐实践课程较少，学生很难获得音乐实践的机会。高校音乐教育课程内容包括音乐历史、声乐知识、乐器使用等等，理论知识只有应用在实践中才能发挥效用，许多教师以理论教授为主，没有让学生在音乐实践中践行知识，影响了学生学习能力的提升。
三、高校艺术教育教学中音乐实践的实施策略
（一）制定音乐实践计划
只有制定科学的音乐实践计划，才能为音乐实践提供引导，凸显音乐实践的科学性和规范性。为了制定合理的音乐实践计划，高校应该将音乐理论和音乐实践相结合，在学生学习理论后开展音乐实践活动。为了让更多学生参与到音乐实践中，高校需要加大宣传力度，为学生介绍音乐活动，并为参与活动的学生提供奖励，激发学生的参与兴趣。按照内容的不同，音乐实践被划分为各个阶段，高校应该对每个实践点进行优化管理，确保实践活动的顺利开展。比如，学校在开展音乐实践之前，应该对实践活动的可行性进行分析。以校园歌手比赛为例，学生在开展校园歌手比赛之前，需要采用调查问卷等方法了解学生意愿。如果大部分学生对这一音乐活动充满期许，高校可以正式组织开展比赛。为了调动广大学生的积极性，高校需要选择合适的活动地点。音乐活动具有大型性特征，高校应该将体育馆、操场、汇报厅等作为音乐活动场地。如果音乐活动场地是露天的，高校还应该综合考量天气要素，根据天气情况制定应急方案。音乐实践的每个环节都至为重要，高校应该派遣专业人员，对音乐实践的全过程进行监督，以此发挥音乐实践的实效性[4]。
（二）发挥教师指导作用
教师是学生的引导者，在学生的学习过程中起着重要的引导作用。为了促进学生发展，教师应该分析学生特征，对学生进行层次性划分。不同层次的学生具有不同的学习特点，教师应该采用不同的教学方法，引导学生进行音乐实践。比如，教师在引导学生参与音乐实践的过程中，应该对学生进行层次划分，将学生分为毕业生和非毕业生两类，在音乐实践中为学生提供针对性的指导方法。毕业生和非毕业生的学习需求不同，音乐实践指导需要因人而异。以非毕业生为例，非毕业生还要进行后续的音乐学习，其参与音乐实践的机会更多，教师可以在音乐实践中偏重音乐技能的训练、乐器使用方法的讲授等等。为了让学生更好地吸收音乐理论，教师应该鼓励学生参与到校园音乐比赛、校园音乐剧表演等活动中去，在音乐活动中积累实践经验。以毕业生为例，毕业生即将走入社会，从事相应的音乐工作。为了让学生充分满足职业需求，教师可以为学生创设具体的工作环境，让学生在限定时间内创作一首歌曲、让学生进行自主音乐表演等等，以此为学生的未来发展奠定基础。
（三）不断丰富实践内容
高校举办的音乐实践活动有很多，但并不是每一场音乐实践活动都能收获成功。学生在音乐实践中面临各种各样的问题，教师在引导学生进行音乐实践的同时，也应该培养学生的解决问题能力，临场反应能力、救场能力等等，以此促进学生的全面发展。比如，当音乐活动中的音乐设备出现问题，教师应该让学生掌握必备的清唱技能，让学生在无伴奏情况下进行表演；当活动场地出现问题，教师应该鼓舞学生的士气，让学生做好准备工作，不受外部环境的影响。教师要始终培养学生的临时应变能力，帮助学生正视音乐实践。
（四）创造更多实践机会
在传统音乐实践过程中，高校以校园作为主要活动场地，限制了音乐实践活动的范围。为了创造更多的实践机会，高校应该将音乐实践扩展到校外，和演出单位进行积极合作。比如，高校可以在校内组织校园歌曲比赛，选拔优秀学生参与校外演出。在与演出单位建立合作关系后，高校应该让学生进行商业演出，不断扩大音乐实践的舞台。综上所述，教学体制不断改革，在时代不断发展的背景下，人民生活也逐渐多元化，对高校艺术教育教学有更高要求。为了促进学生的全面发展，高校必须提高音乐实践水平，扩展音乐实践空间，根据社会的发展需要，不断地改革创新，让高校艺术教育中音乐实践随着社会进步和需求而不断完善和提高。
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冷门和盲点，或是因为远离当时的热点、焦点，或是一时被认为是无关紧要的问题，或是尚未被人意识到的问题。其实，课题的价值并不在于是否赶一时的时髦，也不取决于在某一时刻是否为人们所关注，科学课题自有其本身的价值所在。冷门和盲点一旦其价值被发现，研究出成果，便会向热门和焦点转化。这类选题不仅很少与人撞车，而且容易获得成功，同时又可拓宽研究的视野。当时我选择美育和艺术教育这一课题，应该说就是在教育学领域中冷门和盲点上的选题。这类选题，只要大家留意并用心思考，还是不难找到的。比如，目前我国的艺术教育还很落后，大家的注意力都集中在考试上，并一致认为归根到底就是由于艺术课程不是升学考试科目，结果忽视了一个更为深层的原因，那就是艺术教育的法规建设问题。为什么艺术课在很多地方形同虚设，可有可无，原因之一是艺术课教学还不规范，这又是因为它没有受到权威法规的制约。再有，目前社会上的器乐考级热一浪高过一浪，进而严重冲击了学校音乐教育的正确实施，原因之一也是没有受到法规的制约。但目前有关呼吁加强艺术教育法规建设的文章却很难看到，这应该说就是一个盲点。而实际上，《艺术教育工作条例》的制订工作已经基本完成了，不久就会由_颁布，很显然，现在的盲点到时就是热点焦点。条例一旦颁布，随之而来的便是艺术课程教学、课外校外艺术活动、社会艺术环境、艺术教师、艺术教育的管理与组织、艺术教育的物质条件保障等各方面都将要制订具体的规定和实施细则，因此，如何规范上述各个方面，到时无疑又是热点焦点，但现在却是冷门和盲点。像这样的选题便是有远见的选题。另外，同样的一个问题，从一个角度去写可能是热点焦点问题，而从另外一个角度去写则可能是冷门盲点问题，这样，从第一个角度写的人就多，而从第二个角度写的人就少。比如，关于音乐教育的辅德益智功能，往往是从正面谈的多，这就是热点焦点，而从反面谈的少，即反过来看看，目前我们的音乐教育能真正辅德益智吗?这就是冷门盲点。
上面我们分六个方面谈了怎样进行论文的选题，这是一种大致的分法，因为事实上，这六个方面也存在着相互交叉的关系。我想，总而言之，对于初写论文的同志，选题时最好记住这几句话：宜小不宜大，宜窄不宜宽，宜单不宜众，宜冷不宜热，宜实不宜虚。对于有较好论文写作基础的同志，则应根据自己的实际情况另当别论了。
这里我想就“宜小不宜大”多说几句。我们在选题时要注意把研究的范围缩小并加以限制，这样便于驾驭，容易把握。范围大了，不容易讲深讲透。王力先生在谈到论文写作时曾说：“应该写小题目，不要搞大题目，小题目反而能写出大文章，大题目倒容易写得很肤浅，没有价值。”他还举了一个例子说明这个问题：加拿大一位汉学家写了一篇文章，讲的是汉语唇音轻化的问题。这个问题够小的了，但他写了六七十页(约二万多汉字)，很有内容，很深入。由此可见，选小题目，专谈一个问题，谈深谈透了就是好文章。
另外，不管从哪个方面进行选题，还有一个前期工作恐怕不能忽视，那就是查看文献资料。选择课题，必须以相关的丰富知识作基础，要了解本学科过去的研究情况：已经进行了哪些研究，有了哪些经验或教训，获得了哪些成果。看看自己的设想与前人对这个问题的结论如何，自己是否有新的见解。同时还要了解本学科的研究现状：研究达到了什么水平，还有哪些问题没有解决，需要如何进一步研究。如果对这些问题不了解，就可能重复研究别人已经完成的研究课题，在研究过程中就要走弯路，就要浪费人力、时间和精力。而这些问题都必须通过查看文献资料才能解决。
关于如何选题的问题就谈到这里，有时间的话，老师们不妨再去看看本书后面的附录二——“第一、二届全国音乐教育论文评选获奖名单”，上面有近500个论文题目，对照上面所讲的，看哪些选题比较好，哪些又太一般化。
在声乐演唱中，钢琴为其伴奏是一种常见的艺术形式，钢琴伴奏是整个歌唱艺术里不可或缺的一个组成部分。声乐演唱和钢琴伴奏在风格情绪，艺术细节的处理，还有他们的表演境界完全统一一致的，两者在统一，和谐的配合下，才能取得整个表演的成功。要做到如此完整的配合，也就需要对钢琴伴奏者和声乐演唱具有一定的要求，钢琴伴奏者要具有扎实的演奏技能，要能够深入的了解作品所要表达的内涵，而声乐演唱者也要有具有基本的歌唱唱技巧的表现能力，能够掌握住整首作品的精髓，表达的情感。所以，一首完整的声乐表演，要靠两个人的共同努力和相互配合，才能达到一个琴瑟共鸣的境界。
1 钢琴伴奏在声乐演唱中的作用
烘托渲染音乐作品的情绪
在声乐演唱的过程中，钢琴伴奏是不可或缺的，但是钢琴不只是单单的伴奏，更多的是与声乐作品的默契配合，深化作品表达的情感，塑造鲜活鲜明的的艺术形象，也就成为声乐演唱中不可缺少的一部分了。并且钢琴伴奏还是整首声乐作品抒情的基础，贯穿于整首声乐作品之中。为声乐演唱烘托出气氛背景，塑造声乐作品中的形象，刻画曲子中的内心情感。通过自然的演奏，把整首声乐作品的情绪和氛围带给演唱者，把演唱者带入到特定的音乐环境中去，在丰富的音乐氛围里，展开声乐作品的情感，是演唱者更加投入，深刻的表现出声乐作品的音乐艺术形象，给予观众以美的享受。
对声乐演唱者的指导
一个优秀的钢琴伴奏者在声乐发音技巧、音准、节奏、呼吸、咬字等方面给予基本的指导，并且能够在作品的风格，历史文化背景做出客观的判断，进行客观的伴奏，对演唱者也可以进行这方面的指导和帮助。如果要想整场的声乐演唱表演成为一场听觉盛宴，就要求演唱者不仅要了解整首作品表达的情感，还要掌握整首作品的风格，选择合适的演唱表演的技巧，将音乐与情感还有文学巧妙地结合在一起，融在一起。并且还需要准确的听觉，因为声乐演唱者不仅要听自己的演唱，还要听钢琴的伴奏，要从头到尾配合默契、保持如一，才能更好的深刻的表达出该声乐作品的情感内涵，以达到更好的表演效果，使其成为一场极其丰盛的听觉的视觉的盛宴。
2 钢琴伴奏和声乐演唱的配合
钢琴伴奏和声乐演唱是一种相铺相成的关系，两者缺一不可，钢琴伴奏为声乐作品的情感内涵及其风格进行演绎，给演唱者烘托了背景气氛，从而使演唱者能够更好的处理作品的情感和选择合适的技巧。
钢琴伴奏与声乐演唱者气息的配合
在一首作品进行声乐演唱的过程中，每一个乐句或者在气口的地方都会进行换气，一个优秀的演唱者在换气时有着巧妙的技巧，可以把换气口处理的非常好，是整首声乐作品，让大家听起来非常的流畅，优美。这时候，钢琴伴奏一定要配合好演唱者的气息，把整首作品的高低起伏和气息的连贯性给表达出来，不能仅仅只管弹自己的，各管各的，脱离了演唱者演唱。一定要留心观察演唱者气息的规律，伴奏和声乐演唱者要多加协调配合，以达到伴奏和声乐演唱为一体的表演效果，只有钢琴伴奏和声乐演唱相互配合、共同协作、相互交融，才能做到乐句清晰、伴奏稳定、协调流畅。
钢琴伴奏与声乐演唱节奏的配合
节奏是音乐的灵魂，它以一种秩序的形式存在。在伴奏和声乐演唱的过程中，根据作品的转化，钢琴伴奏也进行了相对的改变，特别是节奏方面，用节奏、音色的转变作品的情绪及风格，引导听众进入到不一样的情绪氛围中，也引导了演唱者情感，更加深刻的投入进去，为后面做好了铺垫，从而奠定了基础。在一段旋律过后，会有一个间奏，通过这个间奏进行调整，作品情绪情感的转变，演唱者也可以进行调整，酝酿一下接下来的情绪。对节奏的准确把握使作品的情感得到了升华，给大家美的享受。
钢琴伴奏和声乐演唱者音量效果的配合
一、歌中有“情”，情带“声”起
声乐艺术是语言升华和民族特性而赋予情感的艺术形式，它最大的特性是让语言拥有了音调、节奏和旋律，加上演唱者明亮动听的嗓音表现出来，那种带着演唱者的情感，传送歌词要表达的意思，美妙动听，生情并茂，感人至极。声乐能作为艺术首先要好听，不论是低沉雄浑、高亢嘹亮的男声，还是清丽典雅、丝绒般的女声，只有好听才能入耳。声音好能把歌词正确地表现出来，声音好是声乐艺术的基础。干瘪、枯燥、沙哑的声音一方面无法表达歌词所表述的内容，另一方面让听者感到不舒服。这就是为什么从事声乐艺术的人士很重视声音的训练和不断学习声乐技巧的原因。然而，歌唱者只能表现好听的声音是不够的，能称得上是声乐艺术，其可贵之处在于歌声中有情。在声乐艺术表现中，“情”是主导，是声乐的灵魂，也是它优于乐器充满魅力所在。
正因为声乐艺术能把“情”通过歌声表达出来，才感染人。声乐艺术要求演唱者必须关注对“情”的理解和体会。这就要求演唱者在艺术修养和专业技能的训练上都要下功夫。还要在体验社会生活中不断增加阅历，把人世间的酸、甜、苦、辣，喜、怒、悲、哀、恨，都要得以体验，才能让演唱者有“情”。这些学习和体验是在课堂上学不到的，需要演唱者融入到社会，不断积累才能在演唱中真正表现出带“情”的歌声。另外，在歌唱中如果能很好的表现“情”，还能为创造好的声音带来帮助。很多成功的声乐艺术表演者因为在歌声中恰当地表现“情”，使声音感人动听，起到了“以情带声”的作用，达到了“声情并茂”的效果。这方面的例子有很多，老一辈的歌唱家王坤在歌剧《白毛女》塑造喜儿这个角色时，就到基层农村去体验生活，抓住了生长在贫苦农民家女儿的感受，在舞台上用富有情感的声音表现了喜儿这个歌剧角色，王坤老师在演唱时，喜悦时声音甜美清脆，悲伤时撕心裂肺，演唱惊动全场，引起观众的共鸣，成为新歌剧声乐艺术的典范。
二、声乐艺术能用歌声塑造形象
我们都知道话剧表演靠的是语言抑扬对比；舞蹈靠的是刚柔变化；影视剧靠的是镜头的变化。声乐艺术也是靠变化。它要靠音乐旋律和强弱的变化，还要靠歌词提供的情感的变化，用歌声塑造形象。歌唱者在表现声乐作品时，首先要理解声乐作品的主题，以及旋律、节奏、音色、音量、风格和民族性等。然后用声音所造一个主题鲜明的形象。歌唱者在这里起到的作用是把自身对作品的理解和技巧融合到一块儿，再用富有情感的声音表现出来。歌唱者做对了这些才能塑造出新的形象，从而引起共鸣，焕发斗志。引发人们对美好生活的珍惜和热爱。如：吴碧霞在《八月十五月儿明》这首典型的说唱风格的歌曲演唱中，完美地把“声”和“情”结合在一起，感情真挚，即表现了喜悦，又表现了悲切。用歌声完美地讲述了一个共产主义战士雷锋八月十五送月饼的一个小故事，让听众一下子就认识了一个鲜活的形象，深深地打动了听众的心。其实，很多声乐作品通过歌唱者的演唱都能让听众感觉到它的形象。如：听了_的《好日子》你能感到红红火火的喜庆气氛；听了李光羲的《祝酒歌》举国欢庆胜利的情景油然而生；还有歌唱爱情的、歌唱美好生活的、歌唱祖国的，举不胜举，这正是声乐艺术无穷魅力所致。
一、舞蹈音乐与舞蹈表演的段落结构关系
音乐和舞蹈是完全不同的两种艺术形式，音乐是通过它产生的声音和语言来将感情与思想表现出来，而舞蹈则是利用肢体语言来表述，从某种层次来说，音乐和舞蹈具有一定能的相似处，特别是在段落结构上，两者相辅相成，这样才能将舞蹈的内涵进行升华，才能够将舞蹈所要表达的思想与情况完全体现出来，而想要舞蹈段落结构有层次性就要依赖于音乐段落结构和舞蹈之间的配合，两者关系密切联系。音乐拥有完整的段落结构，因此可以让音乐有具体的形象和思想核心，舞蹈的段落结构帮助舞蹈体现内容，舞蹈中比较多见的结构有一段式、二段式、交响式等等，因此音乐和舞蹈在表达情感上十分类似，对段落结构十分重视。
二、舞蹈音乐与舞蹈表演的旋律结构关系
旋律优美的音乐才能深入人们的心中，记忆永存，一串串动听的旋律组成好听的音乐，我们可以将旋律理解成音乐的灵魂，低沉的旋律代表着沉思，欢快的旋律代表着高兴，柔美的旋律则代表着向人似在诉说与倾听等等，这些都是旋律，它们会给人们的思想与情绪带来影响，左右他们情绪的波动，因此表演者想要表演出震撼人心的舞蹈，那么就要对舞蹈的旋律重视，更是他们的中心所在，在进行舞蹈的编舞过程中，要将好听的音乐旋律和舞蹈旋律完全融合在一起，融合的越紧密，那么带来的震撼力将更深入，舞蹈就充满里活力和激情。在进行舞蹈时音乐起着重要的伴奏作用，影响着观众们的心情，或激动、或悲伤，实现完美的舞蹈需要音乐的全程陪伴，从头到尾。一个好的舞蹈作品与音乐息息相关，就好像鱼离不开水、我们离不开空气一样。我们想要创造出好的舞蹈作品就要根据舞蹈所要表示的内容来进行音乐的编排，简单来说就是先有音乐，之后才有舞蹈。这样舞蹈展示在观众面前时，才不会让观众忽视音乐，更能够发现音乐美的地方，这也代表音乐和舞蹈融合的十分好。观众可以在观看舞蹈时进入到音乐的世界中，享受音乐的同时也有舞蹈带来的震撼。相互交融才让我们对舞蹈音乐的旋律更加熟记于心。生活舞蹈无处不在，因此舞蹈编排的灵感是来自于生活，这样所展现的舞蹈才能够贴近生活而不会显得做作与浮夸。
三、音乐情感和舞蹈表演之间的联系
音乐情感和舞蹈表演关系紧密。段落结构展现舞蹈，舞蹈内容则需要一定的情感布局来展现。比如娱乐性比较强的群众舞蹈，舞蹈动作比较让人容易掌握，音乐段落结构也比较简单，所表现的情感也不复杂，舞蹈中只会表现一个情感。而舞蹈内容复杂多样，情感上的表现也就不会单一，可能是悲伤、可能是欢快，还可能是喜悦等等，这样舞蹈段落之间就会表现出不同的情感。情感对于舞蹈是必须的，没有情感的舞蹈是没有灵魂的，那只是在机械的挥舞着流畅的动作而已。
四、结束语
总结而言，音乐与舞蹈是焦不离门孟不离焦，完全融合在一起的，它们所体现的情节与发展过程是一致的，两者的旋律步调以及段落步调也要一致，情感上的步调更是同步，做到这样才能够让舞蹈段落之间清晰分明，内容不拖沓，情感在经过不同层次发展中得以升华，这样编排出的舞蹈才能够让人记忆深刻，直击内心。音乐结构为不仅为音乐带来时间单位，也为舞蹈带来想要的时间单位，这样在结构安排和舞蹈结构上相一致，才能够更佳的体现出音乐和舞蹈之间的密切关系。段落结构的清晰明了让舞蹈结构更有层次，在旋律结构的配合下将舞蹈想要塑造的人物形象刻画的入木三分。在对舞蹈情感布局时要从宏观与微观两个不同视角来表达舞蹈情感的发展过程，让舞蹈作品在情感发展中波荡起伏，扣人心弦。因此从另外一个层面上来讲，舞蹈音乐不仅体现的本身结构，也是舞蹈整体结构的体现，内容表现的依据，它的存在让舞蹈作品变得更完整，一幅完整的作品才能够让后世永记，留存下去。
